Der Künstler Matthew Angelo Harrison verkompliziert die Beziehung zwischen Handlungsfähigkeit und Ästhetik

Nach einer Anspielung auf die Whitney Biennale freut sich die von Jessica Silverman vertretene Künstlerin auf eine Präsentation in der Kunsthalle Basel im Jahr 2020.

An einem Nachmittag führt der in Detroit lebende Bildhauer Matthew Angelo Harrison durch die Whitney Biennale 2019 und stellt seine Lieblingsstücke vor. Er ist einer von 75 Künstlern, die an der unbenannten Umfrage teilgenommen haben, und mit 29 Jahren gehört er zu drei Vierteln der Liste der unter 40-Jährigen, was diese Ausgabe zur bislang jüngsten des Museums macht. Zu seinen Favoriten gehört Tiona Nekkia McCloddens Zusammenstellung ritueller Werkzeuge, die aus einem von ihr gefällten Baum geschnitzt wurden, begleitet von einem Video, das ihre Herstellung dokumentiert; ein Schwarz-Weiß-Foto von Elle Pérez, das ein sich umarmendes Paar zeigt, dessen Brust in Plastik eingewickelt ist und die Markierungen eines Nadelspiels (Körperpiercing zum Vergnügen des Gefühls) trägt; und ein Paar fragmentierter Stilllebenporträts von Paul Mpagi Sepuya, die in Zusammenarbeit mit dem Schriftsteller Ariel Goldberg entstanden sind. Sepuyas Fotografien, für die er Spiegel, Stative und die Anwesenheit der Kamera selbst einsetzt, um die Beziehung zwischen Künstler, Werkzeug und Komposition zu hinterfragen, beleuchten die Wände eines Raums im fünften Stock des Museums und umgeben und ergänzen Harrisons eigene hybride Kreationen. Als Beitrag präsentiert Harrison sechs neue Skulpturen seiner Dark Silhouettes-Serie. Jedes weist ein in Harz getauchtes Artefakt auf, das dann von einer CNC-Fräse präzise in rechteckige Totems unterschiedlicher Größe geschnitten und mit mechanischen Formen bedruckt wird, die die Liebkosung der Maschine markieren. Vier Dogon-Speere und zwei hölzerne Idole aus Westafrika – einige echte Antiquitäten und andere in Massenproduktion für den Verkauf im Westen – erscheinen darin verborgen, als wären sie in Eis eingefroren, ein Effekt, den Harrison absichtlich erzielt hat, um eine Idee zu vermitteln, die er „abstrakte Abstammung“ nennt ." Sie stehen auf eleganten Metallsockeln, die nach belgischen Vorbildern aus der Mitte des Jahrhunderts gestaltet sind und auf die Kolonialgeschichte des Landes in Afrika anspielen.

„Um sich mit der kulturellen Situation schwarzer Amerikaner auseinanderzusetzen und sich daran anzupassen, mussten sie sich afrikanische Bilder neu aneignen, um ihre eigene Vorstellung davon zu entwickeln, was Heimat ist“, sagt er. Harrison nähert sich seinem Handwerk wie ein Technoproduzent (ein Symptom seiner Erziehung in Michigan) und stellt fest, dass die Herkunft der Objekte, wie ein Sample innerhalb eines Tracks, weniger wichtig ist als das fertige Produkt. Sobald diese Objekte in seine Hände gelangen, haben sie ihre kosmische Energie verloren. „Ich habe die Geschichte dieser Dinge neu zusammengestellt und sie in meine eigene Erzählung als schwarzer Mensch eingebettet, der völlig von seinen Vorfahren getrennt wurde.“

In der Mitte des Raumes sticht ein Stück hervor. Unter dem Titel Worker Fragment Gleam (2019) besteht es auf den ersten Blick aus einem schwebenden abgetrennten BMW-Scheinwerfer und wirkt wie ein Exemplar in einer Glasglocke. Harrison, ein ehemaliger Ford-Mitarbeiter, weist darauf hin, dass das Auto in einer Fabrik in Detroit zusammengebaut wurde: „Man denkt, es sei ein europäisches Auto, obwohl es tatsächlich hier gefahren, hier zusammengebaut und hier verbraucht wird“, sagt er. Zusammen betrachtet fungiert die Installation als kraftvolle visuelle Metapher für den Verlust und die Neuzusammensetzung von Kultur als Folge der Globalisierung und den Austausch zwischen Produktion und menschlichem Leben. Mit einer gedämpften Palette aus Braun- und Grautönen wirkt die Aussage gemäßigt, ja sogar sachlich.

„All diese Durchgänge, die aufgrund der Globalisierung passieren, hinterlassen Spuren. Sie nehmen etwas von der Identität jedes Dings“, sagt er. „Wenn die Wut erst einmal verflogen ist, wie passen wir uns dann tatsächlich an diese seismischen Veränderungen in der Kultur an und machen sie nicht unbedingt richtig, aber auf eine Weise funktionsfähig, die jedem hilft, die Geschichte zu verstehen? Es ist ein Reha-Prozess.“

Obwohl einige Kritiker der diesjährigen Biennale argumentieren, dass der Ausstellung das radikale Feuer fehlt, für das sie im Laufe ihrer 79-jährigen Geschichte zum Synonym geworden ist, haben viele Künstler erfolgreich Raum für subtile Arbeiten geschaffen, Kunst, die eher brodelt als schreit . Mit einer kraftvollen, aber berauschenden Anspielung auf die Komplexität der zeitgenössischen schwarzen amerikanischen Kultur, die durch die Fluten des Kolonialismus und der Globalisierung für immer verändert wurde, plädiert Harrison für Entscheidungsfreiheit statt Empörung.

Melden Sie sich für den Cultured-Newsletter an

Klar, wir können enge Freunde sein. Ungefilterter Zugang erwartet Sie.